Critique cinématographique : « Laurent dans le vent », une douce exploration de la solitude moderne

« Laurent dans le vent » : critique cinématographique et regards croisés sur une solitude moderne

Émergé des cimes avec une discrète intensité, « Laurent dans le vent » installe d’emblée une ambiance poétique où chaque souffle d’air semble déplacer les pensées avant les corps. Signé par Anton Balekdjian, Léo Couture et Mattéo Eustachon, le long-métrage accompagne un protagoniste fragile dans une station alpine désertée, hors saison, dix lieux en un, à la fois refuge et piège. Porté par la voix et la présence de Baptiste Pérusat et la puissance magnétique de Béatrice Dalle, le film épouse la solitude moderne comme un paysage à arpenter, plutôt qu’un état à subir. Sa sortie en salles, annoncée le 31 décembre 2025, résonne encore dans les débats cinéphiles de ce début d’année, tant l’œuvre a su capter une forme d’épuisement générationnel et la promesse d’un recommencement.

Cette critique cinématographique ne s’arrête pas à l’émotion immédiate. Elle observe comment l’écriture collective du trio cultive une circulation sensible entre réel et fiction : les lieux ne décorent pas, ils parlent. Plusieurs critiques y ont vu un portrait d’ensemble, un portrait psychologique qui déploie des émotions subtiles sans gestes tapageurs. Un éloge discret a salué l’« honnêteté » de la mise en scène avec les habitants du lieu, où le quotidien devient matériau dramatique. Ce regard rappelle les démarches de l’ACID et les sélections indépendantes, qui depuis quelques années offrent aux spectatrices une alternative au récit huilé, préférant la rumeur des détails aux gros effets.

Présenté comme un film dramatique à la fois dépouillé et tendre, « Laurent dans le vent » garde pourtant le sens du burlesque, cette bascule si française entre gravité et légèreté. Plusieurs scènes, presque muettes, donnent la sensation d’un théâtre de l’absurde remis à neuf, sans vernis cynique. L’humour, léger mais tenace, n’annule jamais la gravité du propos : il y ajoute une lueur, un pas de côté. Au détour d’un plan, la montagne hors saison se peuple d’exclus magnifiques, de silhouettes qui réinventent une communauté provisoire. La question, simple et immense, demeure : comment se relier quand il ne reste presque rien ?

Dans le paysage du cinéma français 2025-2026, le film s’inscrit aux côtés d’œuvres audacieuses, de la démesure de certaines fresques à la sobriété de propositions plus minimales. Ici, le minimalisme n’est pas un manque : c’est une méthode de révélation. Une caméra patiente, quelques cadres, et la station s’ouvre comme un atelier, un laboratoire d’humanité. Ce geste rejoint les sensibilités contemporaines qui interrogent la décroissance et le ralentissement, déjà remarquées chez les cinéastes du trio, et dans des parcours repérés en festivals — du FIFAM à l’ACID — où l’on cherche des formes neuves pour dire le monde.

Cette recherche de justesse touche particulièrement un public de créatrices et d’artisanes, nombreuses à lire le film à travers la matérialité des tissus, des manteaux, des couches superposées contre le froid. Ce n’est pas anecdotique : dans cette « exploration douce » de la montagne, la laine, la flanelle, le molleton deviennent les métaphores d’un corps qui se protège et se recompose. La couture rejoint l’éthique du récit : réparer, réassembler, faire tenir malgré tout.

On perçoit ce dialogue jusque dans la rumeur critique. Raphaëlle Pireyre a souligné la tendresse accordée aux personnages et la lente réconciliation d’un corps avec le monde, tandis que Philippe Azoury a insisté sur l’immédiate séduction de la présence de Baptiste Pérusat et sur la beauté politique d’une communauté d’exclus filmée avec délicatesse. Ces analyses se rejoignent : la réflexion intérieure n’est pas enfermement, mais embrayage d’un possible commun. Une phrase suffit à le retenir : la douceur n’est pas une faiblesse, c’est une force de construction. Et si l’on parle d’un « petit » film, c’est pour mieux dire sa précision de couturière. Il laisse, en définitive, le cœur disponible pour la suite.

Pourquoi cette exploration douce s’impose aujourd’hui

Au moment où l’attention devient une ressource rare, le film propose une maïeutique du regard. Il invite à observer les franges : hors saison, hors champ, hors discours. Cette marge, comme la lisière d’un tissu, est l’endroit où l’on comprend comment tout tient. L’écho du hors-saison, si présent à l’écran, devient la métaphore d’un présent en pointillés, prêt à être repris et surfilé. Ultime note : la montagne sans touristes est une page blanche, et le cinéma s’y fait aiguilles fines. ✨

Pour prolonger cette lecture par les matières et les gestes, des ressources et ateliers nourrissent la pratique, à l’image des propositions partagées autour du théâtre et des costumes sur des idées d’ateliers couture à Angers. La conversation entre cinéma et artisanat se tisse alors, point après point.

Costumes, matières et silhouettes : inspirations couture tirées de « Laurent dans le vent »

Le vestiaire du film se lit comme un carnet de projets. Laines épaisses, superpositions fines, bonnets et écharpes moelleuses composent des armures tendres pour un héros discret. Les habits ne « jouent » pas, ils vivent. Froissures, reprises, doublures apparentes : tout signale un rapport à la durée plutôt qu’à la performance. Pour des lectrices passionnées de couture, c’est une bibliothèque de textures, un manuel d’ambiances à transposer chez soi.

La campagne alpine hors saison commande une logique de couches : tee-shirt thermique, chemise brossée, gilet de laine, parka déperlante. Cette stratification n’est pas qu’un choix esthétique, c’est une stratégie thermique et narrative. Chaque vêtement raconte un état, un chapitre du parcours : se protéger, puis s’ouvrir, puis oser sortir. Dans l’atelier, cela nourrit des patrons modulaires qui s’adaptent au froid et aux variations d’humeur. Une parka à capuche avec zips latéraux, un cardigan aux épaules tombantes, un pantalon ample en flanelle à taille élastiquée : autant d’objets simples, réconfortants, faciles à personnaliser.

L’attention aux matières fonde la tenue du film. Laine bouillie, flanelle de coton, polaire en fibres recyclées, gabardine déperlante : la palette est sourde, presque minérale, avec des gris bleutés, des verts mousse et des bruns d’écorce. Pour qui coud, ces tons facilitent l’assemblage d’une garde-robe cohérente. Les couleurs sourdes valorisent la texture, et la texture, elle, raconte la vie. Une surpiqûre à la main, un point de feston, une boutonnière faite avec patience suffisent à signer une pièce. Le style n’est pas saillant, il est habité.

Sur le plan technique, la station désertée suggère un vocabulaire : coutures rabattues pour la solidité, bords francs repliés au biais, patchwork de restes pour une veste unique, « visible mending » sur les zones d’usure. Ces gestes éthiques prolongent la logique décroissante du récit. Ils s’alignent avec la recherche d’une mode responsable, où la réparation est un acte de style et de soin. Dans un monde de vents contraires, la couture devient une façon de tenir, d’allonger la vie des objets et de leur redonner de la voix.

Des ressources utiles prolongent cet élan. Pour des idées de costumes à articulation scénique, une sélection d’exemples et de retours d’expérience figure sur ressources pour la couture et le théâtre. Les carnets d’atelier partagés aident à choisir les bons tissus, à trouver le juste poids de la doublure, ou à positionner une poche paysanne avec précision. Une démarche simple : partir du réel, des contraintes d’usage, puis affiner la ligne.

Mini-checklist pour coudre avec l’esprit du film

• 🧵 Choisir une laine bouillie de densité moyenne pour un cardigan non doublé.
• 🧷 Privilégier les surpiqûres contrastées pour souligner la construction sans ostentation.
• 🪡 Tester un patchwork de chutes ton sur ton pour une pièce unique.
• 🧥 Renforcer les épaules et coudes avec des empiècements en sergé de coton.
• 🧶 Prévoir des fermetures mixtes (zip + pressions) pour une modularité au quotidien.

Enfin, pour qui souhaite un accompagnement concret, des parcours guidés et inspirations saisonnières sont accessibles via guides et inspirations couture. Le film rappelle qu’un vêtement peut être à la fois discret et déterminant : une présence silencieuse qui réchauffe. Un souffle qui accompagne, comme le titre le promet.

Orientation à retenir : la « douceur » n’est pas une esthétique molle, c’est une méthode de construction. Elle tient par les finitions.

Ambiance poétique et photographie alpine : coudre avec la lumière, lire la matière

La photographie de « Laurent dans le vent » cultive un gris diaphane, une diffusion douce qui voile sans effacer. Cette image dessine une autre façon de percevoir la réflexion intérieure : pas de clair-obscur dramatique, mais une clarté fragile, comme si la montagne respirait au rythme du héros. Pour les amatrices de textures, c’est une invitation à choisir des tissus qui dialoguent avec la lumière : mélanges laine/viscose, sergés mates, chevrons discrets. La caméra, attentive à la peau et au souffle, inspire des doublures respirantes et des volumes qui s’éloignent du moulant pour privilégier le mouvement.

Dans la station, les plans larges organisent un espace à la fois vide et disponible. Cette vacuité crée un tempo. Elle permet de voir comment un manteau s’inscrit dans le paysage, comment une écharpe anime un plan fixe. Beaucoup d’images fonctionnent en silences, comme des pauses nécessaires où la couture du monde se devine dans les interstices. Un regard, puis un pli. Une marche, puis un ourlet. Les spectatrices découvrent dans ce rythme une méthode transposable à l’atelier : s’autoriser des pauses, vérifier la ligne, retoucher avec tact. Le geste ralentit, et le vêtement gagne en justesse.

Ce régime d’images n’est pas isolé dans l’histoire du cinéma français. Il croise des expériences récentes, souvent soutenues par des sections parallèles en festivals, qui font de l’économie de moyens un levier d’invention. Ici, la montagne hors-saison devient un studio à ciel ouvert. Les cabines fermées, les télésièges immobiles, les vitrines éteintes dessinent un décor minimal où tout accessoire compte. Ce souci du détail offre aux costumières une palette de signes : un bonnet torsadé, un col cheminée, une poche plaquée en feutre. Chaque élément, choisi pour sa fonction, finit par dire quelque chose de la personne.

Dans cette logique, il est utile de cartographier les correspondances entre ambiances et techniques. Un tableau synthétique guide le passage de l’écran à la table de coupe :

Pour les curieuses, des ateliers mêlant jeu de scène et costume fournissent des études de cas transposables aux projets personnels, comme ceux mentionnés ici : atelier de réparation textile. Choisir une trame, c’est décider de la manière dont l’histoire s’accroche au corps. Cette matrice simple aide à concevoir une garde-robe narrative, où chaque pièce a une fonction, une humeur, une scène.

Conclusion d’étape : la lumière et la texture sont deux aiguilles jumelles. Elles avancent en parallèle et se répondent, sur l’écran comme sur l’étoffe.

Comparatif créatif : du film dramatique à la garde-robe d’hiver, tests et avis

Comparer « Laurent dans le vent » à d’autres propositions récentes éclaire ses choix et inspire la pratique. Face à des fresques très longues et radicales, comme celles évoquées chez Albert Serra, et à des récits choraux tournés sur la durée, à l’image d’œuvres collectives présentées à Cannes, le film du trio opte pour une intensité diffuse et une économie de gestes. L’« exploration douce » n’est pas un renoncement, c’est une stratégie : atteindre une densité émotionnelle par le faible, par l’infime, par la répétition des signes discrets. Pour la couture, ce parti pris devient un protocole de tests : quel minimum de détails suffit à donner une allure ? Quelle épaisseur de laine offre la meilleure tenue sans alourdir ?

Les avis critiques convergent sur la délicatesse du regard et la justesse des corps, « jeunes mais déjà épuisés », en quête de liens. Cette fatigue n’est pas stylisée ; elle structure l’échelle des mouvements, la lenteur des plans, l’économie des accessoires. À l’atelier, on traduit cela par des patrons confortables (épaules tombantes, pinces adoucies, taille semi-élastiquée), des textures non criardes et des finitions sobres. L’élégance ne s’adresse pas aux foules ; elle s’adresse à celle qui porte la pièce, à ce qu’elle sent au contact d’une doublure bien choisie.

Au registre des comparaisons, la comédie hivernale dont on a dit qu’elle s’essoufflait par manque d’intrigue rappelle un écueil fréquent : privilégier l’ambiance au détriment de la construction. Le film du trio, lui, assume l’ambiance tout en maintenant une ligne claire — un homme cherche une place, rencontre des figures, trouve une manière d’habiter. Cette ossature simple offre un cadre précieux pour créer : quand la narration est lisible, la liberté des détails est possible. On peut oser une poche oblique, une surpiqûre main, une capuche amovible sans perdre le fil.

Pour les lectrices qui aiment « tester avant d’adopter », voici un protocole d’essayage inspiré du film. D’abord, sélectionner deux laines : une brossée et une bouillie. Coudre deux devants identiques sur un même patron de cardigan, et porter chaque version une journée. Évaluer chaleur, tenue, boulochage, confort de mouvement. Noter les sensations dans un carnet. Ces retours empiriques, à la manière d’une prise de vue répétée sous différentes lumières, bâtissent une culture matérielle solide. On comprend alors pourquoi la caméra du film privilégie les matières qui absorbent la lumière plutôt que celles qui la renvoient.

Les ressources hybrides, à cheval entre scène et atelier, soutiennent cette démarche comparative — on pense à des parcours comme patrons et techniques de manteaux. Lier la pratique à une culture visuelle partagée rend le geste plus sûr. On avance par couches, comme en montagne, et l’on accepte la lenteur comme un luxe contemporain. À la fin, reste l’essentiel : un vêtement qui tient par la coupe, la matière et une intention claire. Et, derrière, un film qui enseigne le courage discret de recommencer.

Leçon pratico-poétique

Tester, noter, affiner. C’est le triptyque qui fait grandir un style. Le film le prouve par ses plans ; l’atelier le confirme par ses coutures. ✅

Ateliers, patrons et défis personnels : transformer des émotions subtiles en créations durables

Un fil conducteur aide à passer de l’écran à la main. Imaginons Élise, lectrice couturière qui sort de la projection avec l’envie d’une capsule « hors-saison ». Son cahier de route ? Quatre pièces : la parka déperlante doublée respirante, le cardigan en laine bouillie, la chemise brossée aux poches généreuses, et le pantalon ample en flanelle. Chacune reprend un aspect du film : protection, chaleur, douceur, marge de mouvement. Élise ne cherche pas la silhouette parfaite ; elle cherche la tenue qui l’accompagne dans la durée.

Premier défi : maîtriser la parka. Choisir une gabardine déperlante, entoiler les zones de tension, poser un zip à double sens, prévoir des pressions invisibles. La capuche se règle par stop-cordons ; la doublure, en cupro, assure la respirabilité. Deuxième défi : le cardigan. Découper avec une marge de confort, réaliser des coutures rabattues, renforcer les épaules. Troisième défi : la chemise brossée. Jouer une patte de boutonnage cachée, dessiner un col généreux, coudre des poches plaquées profondes. Quatrième défi : le pantalon. Ajuster la ceinture élastiquée demi-devant, ménager une ampleur aux cuisses, resserrer légèrement à l’ourlet. L’ensemble compose une armure douce et maniable.

Ces étapes résonnent avec la logique du film : une réflexion intérieure qui devient action concrète. Chaque couture met en place un principe : favoriser la réparabilité, accepter la trace du geste, valoriser la sobriété. Une série de défis hebdomadaires peut soutenir la motivation : une finition main par semaine, une réparation visible, un patchwork de chutes, une recherche couleur dans la nuance. Les plus curieuses prolongent l’expérience par des ateliers mixtes théâtre-couture, à retrouver sur une sélection d’ateliers pratiques. Relier le vêtement à une situation de scène clarifie les priorités : liberté d’épaule, amplitude d’ourlet, résistance de poches.

Le calendrier compte. À l’hiver, laines et molletons dominent ; au printemps, on glisse vers les sergés légers et les doublures fraiches. La capsule d’Élise, inspirée par la montagne, reste portable en ville : la parka devient imper, la chemise se porte oversize sur un tee-shirt, le pantalon ample joue la fluidité. Cette adaptabilité honore l’esprit du film, qui regarde les corps « fatigués mais tenaces ». Là où l’extérieur impose une vitesse, le vestiaire propose une cadence choisie. C’est aussi une façon de tenir face aux vents du temps.

Pour garder la flamme, il est utile de documenter. Photographier les pièces en lumière naturelle, noter les sensations d’usage, corriger les points faibles. Une habitude simple : un journal de vêtement. On y inscrit la date, le tissu, la coupe, l’entretien, les retouches. À la longue, ce carnet devient une mémoire sensible — comme une filmographie intime. C’est ce patrimoine personnel que nourrit « Laurent dans le vent » : une somme de petites décisions, à la fois esthétiques et éthiques.

Les échanges culturels élargissent encore la perspective. Des focus thématiques autour du costume et de la scène, accessibles via ressources scéniques et couture, aident à affiner le regard. On y retrouve ce qui fait la modernité du film : une écoute, une attention au geste vrai, une manière de faire de l’humilité une élégance. En bout de chaîne, apparaissent des pièces qui ne crient pas mais restent, comme ces images brumeuses de montagne où l’on sent le vent avant de le voir. L’atelier a gagné en précision, le style en cohérence.

Capsule hors-saison : plan d’action synthétique

Quatre pièces, quatre fonctions, une cohésion. C’est la grammaire douce d’une garde-robe qui tient sa promesse : accompagner, sans peser.

Pour approfondir et nourrir les idées par des retours d’expérience, un détour par témoignages et pratiques d’atelier offre un complément pratique. Le cinéma inspire, la couture ancre : le duo forme une trajectoire durable. 🌿

Figures, politique de la délicatesse et communauté : le film comme laboratoire d’entraide

« Laurent dans le vent » n’est pas seulement l’étude d’un homme qui cherche à atterrir. Le récit s’étoffe d’une petite communauté en friche, faite d’existences en bordure, de gestes de solidarité furtifs. Cette trame rejoint une éthique de l’entraide précieuse aux lectrices qui créent. Atelier partagé, troc de tissus, séance d’essayage collective : l’écosystème artisanal ressemble souvent à ces villages hors saison où la chaleur se fabrique, plus qu’elle ne se trouve. La politique du film est là, dans la nuance : la tendresse comme méthode d’organisation.

Sur cet axe, la présence de Béatrice Dalle ajoute un grain de voix, une compacité de regard. Elle ne « sauve » pas le héros, elle le regarde tenir, et ce regard le renforce. Le personnage principal, habité par Baptiste Pérusat, traverse le récit comme on traverse une saison : courbé, puis un peu plus droit. Cette montée en verticalité, presque imperceptible, suffit à donner au spectateur la sensation d’un avenir. C’est le même sentiment qui émane d’une pièce bien bâtie : la colonne tient, l’épaule tombe juste, la doublure respire. On ne voit pas la difficulté, on sent la tenue.

Plus largement, le film s’inscrit dans une constellation d’œuvres qui, en 2025 et au seuil de 2026, interrogent la possibilité de « refaire communauté » sans grands discours. Le geste cinématographique a ceci de précieux qu’il peut accueillir le rire, le décalage, la pause. La montagne hors saison devient alors la maquette d’un monde à reconfigurer. Ce n’est pas l’utopie tapageuse, mais une convalescence collective, où l’on soigne les bords. Beaucoup de créatrices, sensibles aux détails, reconnaissent dans cette approche une manière de travailler : commencer par la lisière, puis avancer vers le centre.

Sur le plan des pratiques, les collaborations locales donnent chair à cette intuition. Prêter une machine, partager des chutes, organiser une permanence « réparation visible » dans un café : autant d’initiatives concrètes qui prolongent l’esprit du film. Des ressources territoriales existent et rassemblent ces initiatives, à l’image des pistes proposées sur cartographie d’initiatives couture. La communauté n’est pas une abstraction ; c’est un réseau d’habitudes fines, d’entraides répétées, de coups de main.

L’esthétique de la délicatesse n’exclut pas le conflit ; elle l’absorbe. Une scène de dispute, filmée sans hystérie, signe le refus des enflures. La douceur y est active : elle permet d’entendre le désaccord sans casser le fil. Pour l’atelier, cela devient une compétence : gérer un fitting difficile, accueillir une remarque sur la coupe, corriger une épaule. Ces micro-négociations, signature d’un professionnalisme serein, sont l’équivalent relationnel d’une surpiqûre régulière : elles tiennent dans la durée.

Dernier point : rien de tout cela ne va sans imaginaire. Les images du film offrent un réservoir d’humeurs — le café vide, la neige tardive, le télésiège immobile — qui peut nourrir des moodboards saisonniers. On y épingle un chevron, un tweed, une maille torsadée, et s’ouvre une piste vers des silhouettes capables d’habiter le quotidien. La politique de la délicatesse, c’est peut-être cela : réapprendre à sentir. Et défendre cette sensation par des objets bien faits.

Idée-force

La tendresse n’est pas un luxe : c’est une technique. Elle s’apprend, elle se pratique, et elle dure.

Le film est-il accessible à un public peu habitué au cinéma d’auteur ?

Oui. « Laurent dans le vent » privilégie une narration claire, des scènes lisibles et une émotion directe. L’« exploration douce » rend l’expérience accueillante, même pour un premier contact avec le cinéma d’auteur.

Quelles matières choisir pour recréer l’esthétique du film ?

Laine bouillie, flanelle brossée, tweed léger et gabardine déperlante. Ces textures à faible brillance dialoguent bien avec une lumière diffuse et offrent confort, chaleur et tenue.

Comment adapter une garde-robe hors-saison à la ville ?

Privilégier des coupes amples mais structurées, des couleurs sourdes (gris bleuté, vert mousse, brun écorce) et des finitions propres. La parka devient imper léger, la chemise oversize se porte sur un tee-shirt, le pantalon ample conserve un tombé fluide.

Où trouver des exemples d’ateliers mêlant costume et scène ?

Des pistes et retours d’expérience sont rassemblés sur une page dédiée, à consulter ici : des idées et ressources sur https://clairesilene.ch/angers-theatre-couture.

Le film convient-il pour un visionnage en atelier ?

Parfait pour nourrir une séance moodboard : photographie douce, palette minérale, silhouettes superposées. À suivre d’un échange sur les matières et d’un essai de points main pour ancrer l’inspiration.

Claire Silene

Créatrice dans l’âme, Claire partage depuis plus de 10 ans son amour de la couture, des étoffes et des détails raffinés. Son écriture mêle conseils pratiques et touches poétiques, pour inspirer chaque lectrice à créer son propre style.